Categories: Historia del Arte

3. Periodos y Movimientos Artísticos

Para entender los distintos tipos de arte veremos como la historia del arte se divide en períodos y movimientos artisticos. En este capítulo te acompaño a lo largo de un recorrido cronológico por estas divisiones, y aprovecho para describir a grandes rasgos las que son más importantes.

  • Identificar la diferencia entre movimiento y período
  • Explorar los períodos artísticos mas importantes
  • Comentar los movimientos artísticos más importantes

Tipos de arte

Las diferencias entre Períodos y Movimientos Artisticos

Los movimientos y períodos artísticos son representativos del arte de un grupo de artistas durante un determinado espacio de tiempo. La diferencia entre período y movimiento tiene que ver con la duración y con la intención.

Que son los Movimientos Artísticos

Un movimiento artístico lo inician de manera intencionada un grupo reducido de artistas que quieren fomentar o provocar un cambio. Un movimiento generalmente está asociado a un estilo artístico y, muchas veces, a una ideología. Al igual que el movimiento feminista o el movimiento por los derechos civiles, un movimiento artístico puede abogar por una nueva perspectiva sobre cuestiones concretas. Por ejemplo, los miembros del movimiento pueden oponerse a la guerra o a un determinado sistema político. En ocasiones escriben manifiestos con una exposición detallada de sus objetivos y celebran asambleas.

Lo más habitual es que los artistas de un movimiento tengan relación entre ellos y expongan sus obras de manera colectiva. Su arte comparte características de estilo y aborda temas similares.

Que son los Períodos Artísticos

Un período artístico generalmente no obedece a una elección consciente por parte de los artistas. Los períodos suelen durar más que los movimientos y se desarrollan de manera gradual debido a presiones culturales o políticas.

Con frecuencia, un período artístico se basa en una época histórica paralela. Por ejemplo, el arte paleocristiano se refiere al arte realizado durante la época de los primeros cristianos. Los artistas representaban temas cristianos y compartían creencias religiosas, pero no escribieron manifiestos ni celebraron asambleas para hablar de ideología o directrices estilísticas. Los historiadores del arte han agrupado esas manifestaciones artísticas porque todos aquellos autores vivieron en la misma era, pintaron temas semejantes y compartieron un espíritu similar: el espíritu de su religión, su cultura y su época.

I. Resumen de los Principales Períodos Artísticos

Un período artístico puede durar 20.000 años o tan solo 50, dependiendo del ritmo al que se sucedan los cambios culturales. El arte rupestre comenzó en torno al 30000 a.C. y terminó con el Paleolítico, entre el 10000 y el 8000 a.C., según la zona geográfica y el receso de la Edad de Hielo. En aquella época la cultura cambiaba a la misma velocidad que se derrite un glaciar (y piensa que eso era antes del calentamiento global). El período neoclásico, en cambio, tan solo duró 65 años, desde 1765 hasta 1830. La Revolución industrial aceleró los cambios sociales y culturales a partir de mediados del siglo XVIII.

A veces la distinción entre período y movimiento es difusa. El alto Renacimiento (que algunos consideran un subperíodo dentro del Renacimiento y otros consideran un movimiento) tan solo duró de 1495 a 1520, ya que dos de sus tres principales artistas murieron en 1519 y 1520 (no se puede tener un movimiento ni un período con una sola persona, aunque sea un genio como Miguel Ángel).

El manierismo también se consideró un período, pero actualmente la opinión general es que se trató de un movimiento que comenzó a mediados de la década de 1520 con obras de Rosso Fiorentino, Pontormo y Parmigianino. Estos artistas no se llamaron a sí mismos manieristas: pensaban que su arte y su estilo eran meras extensiones de lo que Rafael y otros habrían hecho en el alto Renacimiento. Conscientes o no, inauguraron una “manera” de hacer arte, junto con Miguel Ángel, que presentaba diferencias estilísticas y se convirtió en un movimiento.

Período prehistórico (30000 a.C.-2500 a.C.)

El período artístico prehistórico se corresponde con el Paleolítico y el Neolítico, cuando las personas utilizaban utensilios de piedra, sobrevivían como cazadores y recolectores (en el Paleolítico) o como agricultores (en el Neolítico) y no sabían escribir.

A pesar de desconocer la escritura, los habitantes del Paleolítico y del Neolítico sabían hacer pinturas y esculturas. En el período Paleolítico, los artistas pintaron animales en las paredes de las cuevas y esculpieron formas animales y humanas en rocas. Según parece, su arte era parte de un ritual mágico o chamánico (una forma primitiva de visualización) que debía de ayudarles a cazar. El propio acto de pintar probablemente era parte de aquellos rituales.

La pintura entró en declive durante el Neolítico, a pesar de que disponían de mejores utensilios de piedra, rebaños de animales domesticados y asentamientos permanentes. Sin embargo, la arquitectura despegó con sepulcros gigantescos como el de Stonehenge, templos y los primeros pueblos.

Período mesopotámico (3500 a.C.-500 a.C.)

El período mesopotámico abarca varias civilizaciones:

Los sumerios, que inventaron la escritura (llamada cuneiforme) y la religión monoteísta (un solo dios, Abraham era sumerio).

  • Los acadios.
  • Los asirios.
  • Los babilonios.

El arte mesopotámico es generalmente un arte bélico, propagandístico o bien religioso y funerario. Aunque cada civilización aportó diferentes características a la cultura mesopotámica (los asirios, un pueblo guerrero, perfeccionaron la narrativa visual, por ejemplo), el arte se desarrolló en la misma región (el territorio entre los ríos Tigris y Éufrates) y los diferentes pueblos que ocupaban la zona se influyeron entre sí. El arte mesopotámico es a menudo masculino, pero también refinado y a veces cómico y muy imaginativo.

Período egipcio (3100 a.C.-332 a.C.)

El arte egipcio podría calificarse como “el arte de los muertos”, ya que en su mayor parte estaba destinado a las tumbas. El estilo egipcio es simétrico, rígido pero elegante, generalmente invariable, muy colorido y simbólico. Los artistas egipcios también utilizaron la narrativa visual, pero sus historias ilustradas eran menos dramáticas y realistas que el arte mesopo támico (lo encontrarás en el apartado anterior).

Arte minoico, arte de la antigua Grecia y arte helénico

Como resultado de las conquistas de Alejandro Magno (356 a.C.-323 a.C.) y el posterior amor de Roma por la cultura griega, las obras de arte realizadas en las ciudades-estado de la antigua Grecia se difundieron desde las islas Británicas hasta la India, lo cual cambió el mundo para siempre. Los primeros minoicos influyeron en la cultura griega, pero, en comparación, sus logros fueron pequeños.

Período minoico (1900 a.C.-1350 a.C.)

La cultura y el arte minoicos tuvieron una vida breve comparados con el arte egipcio y mesopotámico. El arte minoico tiene un carácter lúdico y está centrado en la vida, el deporte, los rituales religiosos y los placeres cotidianos. Es el primer arte que realmente celebra la vida cotidiana.

Período de la antigua Grecia (hacia 850 a.C.-323 a.C.)

El arte griego se divide en dos períodos: arcaico (antiguo) y clásico, y cada vez se acerca más al realismo. Los griegos inventaron técnicas como la cerámica de figuras rojas, el contrapposto (ver el capítulo 7) y la perspectiva, para que los artistas pudieran representar el mundo de manera realista. Sin embargo, por muy realista que sea el arte griego, también está idealizado (es más bonito que la vida real). Las estatuas griegas no tienen michelines, granos ni coronillas despobladas. El arte del período clásico (el apogeo del arte griego) es famoso por esa calma y esa belleza como de otro mundo.

Período helenístico (323 a.C.-30 a.C.)

El período helenístico comienza con la muerte de Alejandro Magno y termina con el suicidio de Cleopatra, mordida por una serpiente. Es arte griego despojado de gran parte de su idealismo (aunque no en todos los casos). La mayoría de las estatuas helénicas son físicamente perfectas, pero, en lugar de una serenidad imperturbable, pueden expresar ira, profunda tristeza o miedo intenso. El período helenístico fue la primera vez en que esas emociones se mostraron de manera dramática y realista en el arte.

Arte etrusco y arte romano

Podríamos decir que, en lo que se refiere al arte, los etruscos y los romanos eran imitadores. Ambas culturas tomaron prestados muchos elementos de los griegos, aunque cada una aportó algo propio.

Período etrusco (siglo VIII a.C.-siglo IV a.C.)

Los etruscos que vivían en Etruria (la actual Toscana) apenas nos legaron obras arquitectónicas, ya que los romanos que los conquistaron construyeron encima de la mayoría de sus asentamientos. Sin embargo, los romanos no tocaron las tumbas etruscas. En consecuencia, conocemos la vida etrusca principalmente a través de su arte funerario, el cual, por sorprendente que resulte, es muy alegre (al parecer, los primeros etruscos consideraban la muerte como una agradable continuación de la vida).

Período romano (300 a.C.-476 d.C.)

Los romanos también copiaron a los griegos. Sin embargo, los historiadores del arte no consideran que el período romano fuera una repetición del griego. Igual que los etruscos, los romanos no se limitaron a imitar, sino que añadieron cosas al estilo griego. En arquitectura, los romanos aportaron el arco romano, una invención que les ayudó a construir la mayor red de carreteras y acueductos que el mundo ha conocido. En pintura y escultura, los romanos llevaron el realismo incluso más allá que los griegos helenísticos. Los bustos de los senadores y de los primeros emperadores representaban a hombres de mediana edad, severos y terrenales.

Arte bizantino y arte islámico

El arte bizantino es el arte cristiano del Imperio romano de Oriente tras la caída de Roma en el año 476 d.C. El arte y la arquitectura islámicos se difundieron por todo Oriente Próximo, el norte de África y España siguiendo la oleada de conquistas entre los años 632 y 732.

Período bizantino (500-1453)

El arte bizantino es una fusión del esplendor romano tardío, las tradiciones artísticas griegas y los temas cristianos. El arte bizantino es simbólico y menos naturalista que el arte griego y el arte romano que lo inspiraron. Está orientado al más allá, en lugar de al aquí y el ahora.

La forma de pintura más popular en el período bizantino fue la pintura de iconos. Los iconos (imágenes sagradas de Jesús, María y los santos) se utilizaban para rezar. A los artistas bizantinos también les gustaban los mosaicos (imágenes hechas con trocitos de piedra o vidrio cortado).

Período islámico (siglo VII-)

Igual que Moisés, Mahoma condenó las imágenes grabadas, y por eso apenas hay representaciones de personas en el arte islámico. Los países de Oriente Medio y del norte de África que se convirtieron al islam también fueron los guardianes de los conocimientos más avanzados sobre matemáticas y geometría, y parece que algunos de esos conocimientos se filtraron en las obras de arte. Los artistas islámicos a menudo incorporan patrones increíblemente complejos y coloridos en alfombras, manuscritos, cerámica y obras arquitectónicas.

Período medieval (500-1400)

El arte medieval es fundamentalmente el arte cristiano creado en Europa después de la caída de Roma y antes del Renacimiento. Sus expresiones más familiares son los vitrales, los manuscritos ilustrados, los relicarios (cajas muy elaboradas donde se guardan reliquias sagradas, como huesos y otras partes del cuerpo de santos), los relieves arquitectónicos y las catedrales románicas y góticas. El arte medieval está imbuido de misticismo y simbolismo, con especial hincapié en la vida después de la muerte según las creencias cristianas.

Período renacentista

Durante el Renacimiento, los artistas regresaron a modelos clásicos de pintura, escultura y arquitectura. El arte religioso cristiano continuó siendo el amo del cotarro, pero las historias e imágenes de las obras artísticas celebraban la vida y las cosas de este mundo. El creciente valor del individuo motivó que se encargarán muchos retratos, un género (un tipo de expresión artística) también muy común en el arte medieval. Con este enfoque en el momento presente, el realismo adquirió tanta relevancia como el simbolismo. Para que las pinturas y los relieves esculturales tuvieran un aspecto tridimensional (como ventanas abiertas al mundo real), los artistas del Renacimiento idearon las leyes matemáticas de la perspectiva.

Alto Renacimiento (1495-1520)

Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael definieron el movimiento conocido como alto Renacimiento, aunque sus obras a veces difieren mucho entre sí. Los tres se esforzaron por alcanzar la perfección, que a menudo encontraron en composiciones estables de apariencia geométrica.

El alto Renacimiento es “alto” porque estos tres artistas pintaron sujetos idealizados, aunque se tratara de un guerrero joven e inquieto como el inmortal David de Miguel Ángel. El sello del arte altorrenacentista es un aura de belleza y calma.

Manierismo (1530-1580)

Tras dominar la naturaleza, los artistas empezaron a distorsionarla deliberadamente. Los artistas manieristas elongaron las figuras humanas, defendieron posturas complicadas o artificiosas y pintaron paisajes distorsionados, a menudo cargados de simbolismo y energía erótica o espiritual. El arte dejó de ser una ventana a una versión idealizada del mundo real para convertirse en una ventana a la imaginación desbordante y caprichosa de los artistas.

Arte barroco y arte rococó

Los artistas barrocos sustituyeron la composición geométrica del Renacimiento por un clima dramático que incluía al espectador. El arte rococó abandonó el drama del arte barroco y llevó al extremo su lado ornamental.

Período barroco (1600-1750)

El Barroco se desarrolló durante la Contrarreforma (la renovación de la Iglesia católica durante el siglo XVI) y se convirtió en un arma propagandística en las guerras religiosas entre católicos y protestantes de los siglos XVI y XVII. La Iglesia católica quería que el arte tuviera un fuerte atractivo emocional para llamar la atención de la gente común y sumarla a la fe católica. Por ello, las catedrales barrocas se atestaron con esculturas y pinturas cargadas de dramatismo.

En los países protestantes, los artistas barrocos restaron importancia a los santos y escogieron temas más simbólicos para sus pinturas morales, por ejemplo paisajes cargados de significado, escenas de género (situaciones cotidianas que se interpretan en clave de fábula) y cuadros de frutas que sugieren la temporalidad de la vida terrenal. Los reyes y príncipes también contrataron a artistas barrocos para que ensalzaran su fortuna y poder.

Período rococó (1715-década de 1760)

El rococó es el arte barroco elevado a la enésima potencia. Fue un estilo artístico favorecido por reyes, príncipes y prelados con mucho dinero para gastar. La calidad ornamental de las pinturas, los relieves, las esculturas y las edificaciones barrocos suele ser más importante que el tema.

Neoclasicismo y Romanticismo

El Neoclasicismo y el Romanticismo se desarrollaron durante la Ilustración, la guerra de Independencia de Estados Unidos, la Revolución francesa y la Revolución industrial. En cierto modo, el Neoclasicismo y el Romanticismo fueron a la vez períodos y movimientos. Los artistas neoclásicos y románticos realizaron algunas elecciones conscientes: quisieron que su estilo transmitiera un mensaje político y/o espiritual.

Neoclasicismo (1765-1830)

El Neoclasicismo (neo significa “nuevo”) es un nuevo regreso al clasicismo grecorromano. Es un arte dignificado que representa a los hombres y mujeres de la época como si fueran dioses y héroes griegos, con posturas y gestos muy grandilocuentes.

Romanticismo (finales del siglo XVIII-principios del siglo XIX)

Los artistas románticos rechazaron la Revolución industrial, condenaron los excesos de los reyes y abanderaron los derechos de las personas. Algunos se refugiaron en la naturaleza, mientras que otros persiguieron una vigorizante combinación de temor y asombro a través de sublimes paisajes marinos y terrestres. La imaginación con y la naturaleza con mayúsculas fueron las fuentes de su desbordante creatividad.

II. Resumen de Tipos de Arte, los principales movimientos

Cuando surgieron los “movimientos”, los períodos prácticamente desaparecieron de escena. Desde el siglo XIX, la dirección del arte ya no viene determinada por la Iglesia o el Estado, sino por los propios artistas.

Realismo (década de 1840-década de 1880)

Los realistas reafirmaron la integridad del mundo físico despojándolo de lo que ellos consideraban ensoñaciones o vaguedades románticas. Pintaron la vida con una sinceridad descarnada, o al menos eso es lo que dijeron.

La Hermandad Prerrafaelita (1848-década de 1890) y el movimiento Arts and Crafts (década de 1850-década de 1930)

A mediados del siglo XIX, la Hermandad Prerrafaelita creó en Inglaterra un arte diseñado para contrarrestar los efectos negativos de la Revolución industrial: ciudades agostadas, pobreza… Rechazaron la sociedad materialista alimentada por la Revolución industrial y regresaron al misticismo de la Edad Media, y a menudo mostraron romances artúricos y otras leyendas medievales en sus pinturas y vitrales. El movimiento Arts and Crafts, fundado por William Morris, uno de los prerrafaelitas, prefirió la manualidad de los talleres medievales a la degradación reinante en las fábricas del capitalismo. Favorecieron los muebles hechos a mano y las artes decorativas realizadas en talleres pequeños y colonias de artistas.

Impresionismo (1869-finales del siglo XIX)

Los impresionistas pintaron retazos de la vida cotidiana con luz natural: personas en una merienda campestre, un paseo por el parque, un baile de verano… Sin embargo, el arte impresionista no congela la escena como una pintura clásica, sino que captura los cambios sutiles de la atmósfera y de la luz para transmitir la fugacidad de la vida.

Postimpresionismo (1886-1892)

El postimpresionismo no es un movimiento propiamente dicho, sino una clasificación de un grupo de artistas diversos que, como Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, pintaron sus obras después del impresionismo.

Fovismo y expresionismo

Estos dos movimientos de principios del siglo xx empujaron al arte en la dirección de la abstracción, para lo cual simplificaron o distorsionaron las formas y utilizaron colores expresivos en lugar de naturalistas.

Fovismo (1905-1908)

El fovismo fue un movimiento de corta duración encabezado por Henri Matisse y André Derain. Los fovistas estilizaron la forma para simplificarla. También aplanaron la perspectiva, de manera que sus cuadros se parecían menos a una ventana al mundo y más a un papel decorativo. El fovista más destacado, Henri Matisse, consideraba que el arte debía ser inspirador, decorativo y divertido. De hecho, el arte fovista recuerda a un papel pintado. Son obras que podrías colgar en un cuarto de juegos infantil (si tu hijo no tuviera esa incomprensible fijación por Pocoyó).

Expresionismo (1905-1933)

El expresionismo se divide en dos movimientos surgidos en Alemania: Die Brücke [el puente] y Der Blaue Reiter [el jinete azul]. Aunque cada uno de estos movimientos se marcó unos objetivos ligeramente distintos, emplearon técnicas similares y representaron temas parecidos.

Los artistas expresionistas distorsionan el exterior de las personas y los lugares para expresar el interior. En un lienzo expresionista, un grito no solo distorsiona el rostro, sino el cuerpo entero. De igual modo, la locura encerrada entre las paredes de un manicomio retuerce la propia arquitectura, que entonces también parece propia de un loco.

Cubismo y futurismo

Tanto el cubismo como el futurismo descompusieron la realidad física en pequeñas unidades, pero por motivos muy diferentes.

Cubismo (1908-década de 1920)

El cubismo viene a ser como el lado artístico de la teoría de la relatividad de Einstein. Todo es relativo; lo que ves depende de tu punto de vista. Georges Braque y Pablo Picasso inventaron el cubismo para que la gente pudiera observar a una persona u objeto desde todos los ángulos a la vez.

Futurismo (1909-década de 1940)

A diferencia de la mayoría de los movimientos artísticos, y en lugar de dar la espalda a la era de las máquinas, los futuristas abrazaron la tecnología, la velocidad y, por desgracia, la violencia y el fascismo. Consideraron que el fascismo era la única forma de gobierno capaz de llevar a cabo la limpieza cultural que, según ellos, necesitaba la sociedad. Su movimiento se basó principalmente en Italia y en la Rusia prerrevolucionaria.

Dadaísmo y surrealismo

La primera guerra mundial provocó una destrucción y una miseria sin precedentes en Europa. Los artistas, desilusionados, reaccionaron rechazando los valores tradicionales y las formas artísticas de la cultura que, en su opinión, había causado la contienda.

Dadaísmo (1916-1920)

El dadaísmo surgió en la Suiza neutral como reacción a la locura de la primera guerra mundial y rápidamente se extendió por toda Europa. Su “arte” era una burla a la cultura predominante, incluidos los cánones artísticos comúnmente aceptados, a través de manifestaciones, “acciones” y obras cargadas de humor e ironía. Los dadaístas supusieron que la guerra fue producto del pensamiento racional; por lo tanto, el antídoto a los conflictos bélicos debía ser el pensamiento irracional.

Surrealismo (1924-década de 1940)

El surrealismo se inspiró en el dadaísmo y en las teorías del inconsciente formuladas por Freud. Igual que los dadaístas, los surrealistas (muchos de los cuales habían sido dadaístas) tenían la esperanza de sanar a la humanidad volviendo la espalda al mundo racional. Pero en lugar de burlarse de las tradiciones artísticas anteriores como hicieron los dadaístas, buscaron formas de entrar en contacto con la realidad instintiva y más profunda del propio inconsciente. Pintaron sus sueños, practicaron la libre asociación y en sus obras alteraron el orden racional de la vida yuxtaponiendo objetos que normalmente no guardan ninguna relación: una aspiradora enchufada a un árbol, una locomotora que sale de una chimenea, un reloj derretido colgando de una rama muerta…

Suprematismo, constructivismo y De Stijl: el arte no objetivo

El fovismo, el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo liberaron a los artistas para que pudieran explorar la realidad de maneras no convencionales. El suprematismo, el constructivismo y el De Stijl relegaron por completo el arte figurativo y se adentraron en el terreno de la abstracción pura, o arte no objetivo.

Suprematismo (1913-1934)

El líder del Suprematismo, Kazimir Malevich, trató de liberar al sentimiento de la forma, disociándolo del arte figurativo. Pensaba que el realismo fotográfico (como el que ves en La Gioconda) pone una barrera entre el observador y el sentimiento esencial que el artista está intentado expresar. Consideraba que la mayoría de las personas solamente ven el cuadro y no experimentan el “sentimiento interior”. Por lo tanto, eliminó la representación o imagen para liberar ese sentimiento.

Constructivismo (1914-1934)

Los artistas rusos constructivistas se negaron a crear obras de arte para galerías y museos. Propusieron un arte práctico que pudieran utilizar los obreros y que representara la utopía moderna que supuestamente estaba creando el socialismo.

De Stijl (1917-1931)

De Stijl es geometría artística, conseguida con unas pocas formas y con los colores primarios (rojo, azul y amarillo), además del blanco y el negro. La figura principal de este movimiento, Piet Mondrian, pensaba que existen dos tipos de belleza: la subjetiva (que él asociaba al mundo de los sentidos) y la objetiva (que él consideraba universal y abstracta). Los artistas De Stijl querían mostrar la belleza objetiva, de modo que evitaron la representación fotográfica (realismo) porque despierta sentimientos subjetivos.

Expresionismo abstracto (1946-década de 1950)

Tras la segunda guerra mundial, fue como si los artistas estadounidenses hubieran soltado una bomba sobre el expresionismo alemán, destruyendo su aspecto figurativo y dejando tan solo la expresión desnuda. En el expresionismo alemán, la emoción deformaba la realidad del mismo modo en que los sentimientos extremos distorsionan los rostros humanos, que continúan siendo reconocibles. En el expresionismo abstracto, la emoción deforma la realidad hasta dejarla totalmente irreconocible. Jackson Pollock, uno de los expresionistas abstractos más famosos, lograba este efecto lanzando pintura a sus lienzos.

Pop Art (década de 1960)

A principios de la década de 1960, los artistas del Pop Art decidieron abundar en los nuevos estilos de publicidad, las fantasías de alcanzar la fama y el deseo de cosas nuevas que caracterizó a la sociedad estadounidense tras la segunda guerra mundial. A veces cuesta distinguir entre su arte y las películas y los anuncios de donde procede.

Arte conceptual, arte en vivo y arte feminista (finales de la década de 1960-década de 1970)

A finales de la década de 1960 el arte se dividió en tantos movimientos menores que cuesta seguirles la pista a todos. En uno de los movimientos más radicales, los artistas consideraron que no tenían que producir obras de arte (un poco como el dadaísmo), sino simplemente conceptos o ideas. Este arte conceptual, como se ha dado en llamar, a menudo adopta la forma de un happening o performance que puede ser muy espontáneo y estar dirigido por el propio público. Otras veces consiste simplemente en escribir sobre una pared. Uno de los primeros artistas conceptuales acampó con un coyote en una galería de arte durante una semana para que la gente reflexionara sobre el tratamiento que reciben los pueblos indígenas de América. El arte feminista, relacionado con el arte conceptual, se centra en las desigualdades a las que se enfrentan las mujeres e intenta suscitar cambios. Este movimiento no tiene un estilo definido. Puede incluir una pintura sobre lienzo o un grupo de mujeres disfrazadas de gorila que irrumpen en un acto público para repartir octavillas.

Posmodernidad (desde 1970)

La posmodernidad se refiere a la vida “después del arte moderno”. Y el arte moderno es el arte que se hizo entre 1890 y 1970, aproximadamente. Los pensadores posmodernos ven la sociedad contemporánea como un mundo fragmentado que carece de un centro coherente, absolutos y una base cultural. Sin embargo, a menudo también está construida sobre el pasado, que posee todas estas cualidades en abundancia.

¿Cómo capturar el mosaico del mundo posmoderno en un lienzo o en un edificio? Los artistas y arquitectos posmodernos a veces lo hacen tomando prestados elementos del pasado y mezclando estilos antiguos hasta dar con un nuevo estilo que refleje a la sociedad contemporánea.

Photo by Candice Seplow on Unsplash

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